Archivo de la categoría: Colores

Kandinsky: De lo espiritual en el arte

Wassily Kandinsky “De lo espiritual en el arte” . Introducción

Cualquier creación artística es hija de su tiempo y, la mayoría de las veces, madre de nuestros propios sentimientos.
Igualmente, cada periodo cultural produce un arte que le es propio y que no puede repetirse. Pretender revivir principios artísticos del pasado puede dar como resultado, en el mejor de los casos, obras de
arte que sean como un niño muerto antes de nacer.
Por ejemplo, es totalmente imposible sentir y vivir interiormente como lo hacían los antiguos griegos. Los intentos por reactualizar los principios griegos de la escultura, únicamente darán como fruto formas semejantes a las griegas, pero la obra estará muerta eternamente.

Alegoría del río Nilo

Una reproducción tal es igual a las imitaciones de un mono.
A primera vista, los movimientos del mono son iguales a los del hombre. El mono puede sentarse sosteniendo un libro frente a sus ojos, dar vuelta a las páginas,ponerse serio, pero el sentido de estos movimientos le es ajeno totalmente.

Hay, a pesar de esto, otra igualdad exterior de las formas artísticas que se asienta en una gran necesidad. La igualdad de la aspiración espiritual en todo el medio moral-espiritual, la aspiración hacia metas que, perseguidas primero, fueron luego olvidadas; es decir, la igualdad del sentir interno de todo un periodo puede llevar lógicamente al empleo de formas que en un periodo anterior sirvieron positivamente a las mismas aspiraciones.

Así nació parte de nuestra simpatía, nuestra comprensión y nuestro parentesco espiritual con los primitivos. Como nosotros, esos artistas puros buscaron reflejar en sus obras únicamente lo esencial: la renuncia a lo contingente apareció por sí sola.
A pesar de su valor, este punto importante de unión espiritual no es más que un aspecto.
Nuestro espíritu, que después de una larga etapa materialista se halla aún en los inicios de su despertar, posee gérmenes de desesperación, carente de fe. falto de meta y de sentido. Pero aún no ha terminado completamente la pesadilla de las tendencias materialistas que hicieron de la vida en el mundo un penoso y absurdo juego. Seguir leyendo Kandinsky: De lo espiritual en el arte

Surrealismo gráfico: Nelson Romero

– ¿Cuál ha sido su formación en arte?
– Yo me considero autodidacta, con todo lo relativo que puede tener ese concepto. Pero tuve un pasaje fugaz de un año por el Museo de San José. Allí estaba el profesor Osvaldo Leites, un muy buen pintor de la escuela de Torres García, y quería que yo fuera retratista al óleo. Pero a mí ya me gustaba el surrealismo, el realismo mágico y sobre todo la parte gráfica, y he sido coherente en desarrollar la disciplina del dibujo como disciplina válida, porque el dibujo siempre ha sido considerado como un segundón de la pintura.

De una entrevista realizada por “EL PUEBLO” de Salto, con motivo de una muestra de sus trabajos “Serie Negra” en noviembre de 2011.
Puede leerse completa aquí.  Fuente: hurgador.blogspot.com.uy

“El primer encuentro con Hugo (Nantes) y 40 años después”

Por Nelson Romero Diario San José Hoy (Uruguay, 2009).

Fue memorable y terrible aquel día que me animé a llegar hasta el taller de Hugo.

Hacía poco tiempo que me había venido desde el campo, y a los diecisiete años había juntado en carpetas muchos dibujos hechos pacientemente, tratando de imitar a los grabadores alemanes del Siglo XV.

Un día me decidí y llamé a su puerta. Iba con vergüenza, con esa timidez de animal asustado, propia de los paisanos antiguos. Pero confieso que guardaba la esperanza de deslumbrarlo con alguna de mis obras, porque había dedicado horas y días y años para dibujar abigarradas alegorías anacrónicas, con puntillismos y prolijos entretejidos de líneas a pluma.

Cuando se abrió la puerta, apareció un hombre fornido, desprolijo en el vestir, con las manos manchadas de pintura, y envuelto en un fuerte tufo de tabaco negro.

-¿El maestro Hugo Nantes? -tartamudeé.

-¡Déjese de joder con lo de «maestro» -me contestó con un vozarrón y una mirada insostenibles-. ¡Con que me diga Nantes es suficiente! ¿Qué anda precisando? Seguir leyendo Surrealismo gráfico: Nelson Romero

Robert Crumb al habla

Entrevista realizada por Ted Widmer a Robert Crumb que fue publicada en The Paris Review.

Traducción: entrecomics.com

Empecemos con Génesis. ¿De dónde parte este libro?

Bueno, la verdad es un poco estúpida, en realidad. Lo hice por el dinero y rápidamente empecé a arrepentirme. Fue una cantidad de trabajo enorme -cuatro años de trabajo y apenas si mereció la pena. Fui demasiado compulsivo con el detalle.
En el cómic, tienes que desarrollar algún tipo de atajo. No puedes hacer que cada dibujo sea extremadamente detallado. El lector medio en realidad no quiere todo este detalle, interfiere con la fluidez del proceso de lectura. Pero no puedo evitarlo -desorden obsesivo-compulsivo.
Pero también parece un trabajo hecho con amor.Intenté ser respetuoso. Decidí no burlarme del texto, no introducir ningún tipo de material gracioso. Varias veces estuve tentado. Pero después lo borré porque distrae del texto. El propio texto es tan apasionante que simplemente ilustrarlo ya es suficiente. Pero no vas a agradar a la gente que cree que la Biblia es la palabra de Dios. Encontrarán fallos. A los judíos no les gustará porque representas físicamente a Dios. Y el hecho de que muestre a gente practicando el sexo, eso elimina a un montón de cristianos.
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Tomi Ungerer: ilustrador de cuentos para niños renegados

Tomi UngererTomi Ungerer es una de las figuras claves de la ilustración contemporánea. Ganador del Premio Hans Christian Andersen en 1998, el “Pequeño Premio Nobel” de la literatura infantil y juvenil, Ungerer logró con su obra ofender y facinar a partes iguales.

El documental de Brad Bernstein narra la historia de este genio excéntrico, emigrante en la América de los años 50, dibujante publicitario de éxito y uno de los autores e ilustradores para niños más célebres de Nueva York. Ungerer fue también un fiero opositor a la Guerra de Vietnam y sus dibujos contestatarios dieron la vuelta al mundo. El documental traza la vida del artista a partir de sus caricaturas, dibujos infantiles, carteles contra la guerra, obras de literatura erótica o campañas publicitarias, acompañados de imágenes de archivo, fotografías y entrevistas con él y sus contemporáneos.

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Ogros, hadas y trolls de Arthur Rackham

Artista británico, principalmente conocido por las ilustraciones realizadas para libros clásicos de ficción y para libros infantiles.

Nació en Londres el 19 de septiembre de 1867 y murió el 6 de septiembre de 1939 en Limpsfield. En Londres, desde 1884 hasta 1891, asistió a clases en la Escuela de Arte Lambeth, al tiempo que trabajaba en una oficina de seguros.

Tras este período de formación, pasó a formar parte del grupo de dibujantes del periódico Westminster Budget, iniciando así su actividad como ilustrador de libros, en la que rápidamente se puso de manifiesto su desbordada imaginación. Con la publicación en 1900 de Cuentos de hadas de los hermanos Grimm, Rackham obtuvo un gran éxito. Seguir leyendo Ogros, hadas y trolls de Arthur Rackham

Milo Manara: Sexo, drogas y pintura.

Acaricia mi ensueño

Sin duda, fuera del circuito especializado del cómic, Milo Manara es el dibujante de historietas más famoso del mundo. Trabajó con Fellini y Hugo Pratt, materializó en tinta y papel las fantasías de la generación del ‘68 y dibujó cómics políticos e infantiles. Pero son sus increíbles mujeres, envueltas en historias exóticas y lisérgicas, las que construyeron su merecida fama. De paso por Buenos Aires, el italiano repasa una vida llena de curvas que lo llevó de la revolución, Picasso y el hippismo a ser convocado para dibujar una versión de X-Men protagonizada exclusivamente por mujeres.

Por Martín Pérez

Sexo, drogas y pintura. Al escuchar la pregunta sobre si su juventud estuvo pautada por esa remozada trilogía iniciática, hay que ver la cara del dibujante italiano Milo Manara.

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La irreverencia de Clovis Trouille

Clovis Trouille (1889-1975). Foto de Ornella Volta en 1962.

“El fracaso comercial es para mí, espiritualmente, un éxito, y la venta, un triste signo de conformismo burgués, al haber considerado siempre mi pintura como anarquizante, anticuada y anticomercial”

Archivo: El País en ocasión de la exposición del artista en Amiens
OCTAVI MARTI / Amiens / 21 AGO 2007

Amiens expone la divertida y provocadora obra de su pintor menos ortodoxo

Hay artistas que nunca logran que les tomen en serio. Porque no lo merecen, porque ellos mismos no lo hacen o porque su vida diaria parece relativizar su condición de artista. Es el caso de Clovis Trouille, pintor surrealista al que ahora, y hasta el 26 de agosto, recuerdan en Amiens en el Musée de la Picardie presentando 23 de sus pinturas y un número importante de sus dibujos y collages.

Trouille nació en la minúscula población de La Fére en 1889 y estudió en la escuela de Bellas Artes de la vecina Amiens. Empezó ahí a ejercitarse como ilustrador publicitario o colaborando con sus dibujos en la prensa local para instalarse definitivamente en París en 1920. En la capital trabajará para una misma empresa, Pierre Imans, que fabrica maniquíes para escaparates o personajes para atracciones de feria. Trouille se ocupará de maquillar y decorar esas figuras, en la mayoría de los casos femeninas. Seguir leyendo La irreverencia de Clovis Trouille

El Arte Psicótico

El arte y la locura

Creación, imágenes insondables y mundo psicótico. Misterios de la mente y el alma que el hombre a lo largo de la historia ha intentado plasmar a través de la creación artística. Secretos y enigmas que la mente esconde en sus más recónditos y aún desconocidos rincones.

Dibujos, pinturas, frescos, graffitis, collages, objetos y esculturas… cualquier materia, medio o soporte es utilizado en una carrera creativa desenfrenada por el artista en algunos casos al borde del más desenfrenado y genial abceso creativo al borde del paraxismo.
Desde el inicio de la historia del hombre han marchado entrelazados la magia, la locura y el arte con un mismo objetivo: el lograr descubrir los secretos que esconde la naturaleza y descubrir nuevas interpretaciones y un sentido pleno a ella misma.

Jean Dubuffet Seguir leyendo El Arte Psicótico

Bleu, Blanc, Rouge.

El cuerpo como cultura

Julián García González

El cuerpo liberado

En el momento culminante de la Revolución francesa, el periódi­co más radical de París declaró que no podía haber una verdade­ra revolución si el pueblo no la sentía en su cuerpo. «Algo que nunca debemos cansarnos de repetir al pueblo –decía el periódico– es que la libertad, la razón, la verdad son… no dioses… sino parte de sí mismo». Sin embargo, cuando la Revolución francesa intentó traer a la vida al cuerpo en las calles de París, sucedió algo completamente inesperado. Las multitudes de ciudadanos caen frecuentemente en la apatía. En parte, los espectáculos de violencia les embotaban los senti­dos; en parte, los espacios revolucionarios creados en la ciudad con fre­cuencia no lograban estimular al pueblo. En una época de agitación, cuando menos se esperaba, la multitud movilizada de la ciudad fre­cuentemente se detenía, se sumía en el silencio y se dispersaba.

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Arte feo y oscuro

Doya’, el surrealismo pop en las calles de Cali.

por David Muriel

Sus obras pueden verse en los barrios Granada y San Antonio, en el norte o en la Carrera 10 con Calle 5. “El arte es algo muy libre y para todo el mundo, no me gusta hacer cosas para una sola persona”, dice Bedoya.

Una hoja de papel en blanco está a punto de perder su pureza y virginidad en las manos de un joven de 23 años llamado Juan Felipe Bedoya, conocido en el terreno urbano como ‘Doya’, ya que así firma los dibujos que ha realizado en las calles de Cali para intentar “que esta ciudad deje de ser tan gris y monótona, es decir, leer una urbe distinta, por medio de la pintura como expresión social”. Seguir leyendo Arte feo y oscuro